Edgar Degas - Ms Lala Circus Fernando 1879 trapeze Poster

Titel: Miss Lala im Zirkus Fernado Year 1879 Technique Deutsch: Öl auf Leinwand Dimensions Deutsch: 117 × 77 cm... Hij wordt beschouwd als een van de oprichters van het impressionisme, hoewel hij de term verwierp en liever een realist noemde. Hij is een uitstekende rapporteur en wordt vooral geïdentificeerd door het onderwerp van de dans, en meer dan de helft van zijn werk toont dansers. Deze tonen zijn meesterschap in de weergave van beweging, net als zijn vakken in de praktijk en vrouw nudes. Zijn portretten zijn opvallend voor hun psychologische complexiteit en voor de weergave van menselijk isolement. Al vroeg in zijn loopbaan was zijn ambitie om een geschiedenisschilder te zijn, een oproep die hij goed had voorbereid door zijn grondige academische opleiding en zijn grondige studie van klassieke kunst. In zijn vroege jaren veranderde hij zijn koers en door de traditionele methoden van een geschiedenisschilder te laten beren over hedendaagse materie, werd hij een klassieke schilder van het moderne leven. Degas is geboren in Parijs, Frankrijk, de oudste van de vijf kinderen van Célestine Musson De Gas en Augustin De Gas, een bankier. Het gezin was matig rijk. Zijn moeder stierf toen Degas dertien was, waarna zijn vader en grootvader de belangrijkste invloeden waren op zijn vroege leven. Op zijn elfde begon Degas (op zijn volwassenheid verliet hij de mooiste spelling van de familienaam) aan zijn opleiding met inschrijving in de Lycée Louis-le-Grand, die in 1853 afstudeerde met een baccalauréat in de literatuur. Degas begon vroeg in zijn leven te schilderen. Achttien had hij van een kamer in zijn huis een artistieke studio gemaakt, en in 1853 registreerde hij zich als copyist in het Louvre. Zijn vader verwachtte echter dat hij naar de rechtenschool zou gaan. Degas, die in november 1853 naar behoren was geregistreerd bij de faculteit van de rechtsstaat van de Universiteit van Parijs, heeft echter weinig moeite gedaan om daar te studeren. In 1855 ontmoette Degas Jean Auguste Dominique Ingres, die hij omvereerde en wiens advies hij nooit vergat: "Trek lijnen, jong man, en nog meer lijnen, zowel uit het leven als uit het geheugen, en je wordt een goede kunstenaar." In april van datzelfde jaar kreeg Degas toelating tot de Ecole des Beaux-Arts, waar hij met Louis Lamothe heeft gestudeerd, onder wiens leiding hij bloeide, volgens de stijl van Ingres. In juli 1856 reisde Degas naar Italië, waar hij de komende drie jaar zou blijven. In 1858, terwijl hij bij de familie van zijn tante in Napels verbleef, maakte hij de eerste studies voor zijn vroege meesterwerk, de familie Bellelli. Hij tekende en schilderde ook kopieën na Michelangelo, Raphael, Titian en andere kunstenaars van de Renaissance, waarbij hij vaak uit een altarstuk een individueel hoofd koos dat hij als een portret behandelde door 1860 Degas, die meer dan 700 exemplaren van werken had gemaakt, waaronder de Italiaanse renaissance en de Franse klassieke kunst. Toen hij in 1859 naar Frankrijk terugkeerde, verhuisde Degas De Parijse studio is groot genoeg om hem in staat te stellen te beginnen met het schilderen van de familie Bellelli. Hij wilde een schilderdoek in de Salon tentoonstellen, hoewel het tot 1867 nog niet af was. Hij begon ook met werken aan verschillende geschiedenisschilderijen: Alexander en Bucephalus en de Dochter van Jephthah in 1859-60; Sémiramis Building Babylon in 1860; en Young Spartans rond 1860. In 1861 bezocht Degas zijn vriend Paul Valpinçon uit zijn jeugd in Normandië en maakte het de vroegste van zijn vele studies naar paarden. Hij exposeerde voor het eerst in 1865 op de Salon, toen de jury zijn schilderij Scene of War in the Middle Ages aanvaardde, die weinig aandacht trok. Hoewel hij de komende vijf jaar jaarlijks in de Salon tentoonstelde, diende hij geen geschiedenisschilderijen meer in, en zijn Steeplechase-De Fallen Jockey (Salon van 1866) gaf blijk van zijn groeiende inzet voor hedendaagse materie. De verandering in zijn kunst werd voornamelijk beïnvloed door het voorbeeld van Edouard Manet, die Degas in 1864 had ontmoet (terwijl beide dezelfde Velázquez-portret in het Louvre kopieerden, volgens een verhaal dat misschien apocryphal is). Bij het uitbreken van de Frans-Pruisische oorlog in 1870 heeft de Degas die in de National Guard was opgenomen, waar zijn verdediging in Parijs hem weinig tijd voor schilderij heeft gegeven. Tijdens de geweren training bleek zijn gezichtsvermogen gebreken te vertonen, en voor de rest van zijn leven waren zijn oogproblemen een constante zorg voor hem. Na de oorlog in 1872 begon Degas een langdurig verblijf in New Orleans, Louisiana, waar zijn broer René en een aantal andere familieleden woonden. Degas woonde in een huis op Esplanade Avenue en produceerde een aantal werken, waarbij veel familieleden werden afgebeeld. Een van de Degas'New Orleans werkt, waarin een scène uit The Cotton Exchange in New Orleans werd afgebeeld, kreeg in Frankrijk de nodige aandacht en was zijn enige werk dat door een museum (dat van Pau) tijdens zijn leven werd gekocht. Degas keerde terug naar Parijs in 1873. Het volgende jaar stierf zijn vader, en bij de daaropvolgende bouw van het landgoed werd ontdekt dat de broer van Degas René enorme zakelijke schulden had gemaakt. Om de familienaam te behouden, werd Degas gedwongen zijn huis en een collectie kunst te verkopen dat hij had geërfd. Hij was voor het eerst in zijn leven afhankelijk van de verkoop van zijn kunstwerk voor inkomen, en produceerde veel van zijn grootste werk in het decennium dat begon in 1874. Degas was nu diep ontgoocheld over de Salon en sloot zich aan bij een groep jonge kunstenaars die van plan waren een onafhankelijke tentoonstellende maatschappij te organiseren. Het eerste van hun tentoonstellingen, die al snel werden bestempeld als "Impressionistische tentoonstellingen", was in 1874. De impressionisten hielden vervolgens nog zeven shows, de laatste in 1886. Degas nam het voortouw bij het organiseren van de tentoonstellingen en liet zijn werk zien in alle tentoonstellingen, op één na, ondanks zijn voortdurende conflicten met anderen in de groep. Hij had weinig gemeen met Monet en de andere landschapsschilders, die hij naar buiten trok. Conservatief in zijn sociale houding, verafschuwde hij het schandaal dat door de tentoonstellingen was ontstaan, evenals de publiciteit en de adverteren inspanningen die zijn collega's hebben gedaan. Hij verwierp het etiket Impressionist dat de pers had gecreëerd en gepopulariseerd, en zijn aandringen op het opnemen van niet-impressionistische kunstenaars zoals Jean-Louis Forain en Jean-François Raffaëlli in hun tentoonstellingen, creëerde binnen de groep een rancor, wat bijdroeg tot hun uiteindelijke ontbinding in 1886. Toen zijn financiële situatie verbeterde door zijn eigen werk te verkopen, kon hij zijn passie voor het verzamelen van werken door artiesten die hij bewonderde, inbrengen: oude meesters zoals El Greco en dergelijke contemporaries zoals Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin en Van Gogh. Drie kunstenaars die hij liet geloven, Ingres, Delacroix en Daumier, waren bijzonder goed vertegenwoordigd in zijn collectie. Eind jaren '80 ontwikkelde Degas ook een passie voor fotografie. Hij fotografeerde veel van zijn vrienden, vaak met lampje, zoals in zijn dubbele portret van Renoir en Mallarmê. Andere foto's, die dansers en naadjes weergeven, werden ter referentie gebruikt in enkele van de tekeningen en schilderijen van Degas. Toen de jaren voorbij gingen, werd Degas geïsoleerd, deels vanwege zijn overtuiging dat een schilder geen persoonlijk leven kon hebben. De Dreyfus Affair controverse bracht zijn antisemitische neigingen naar voren en hij brak met al zijn Joodse vrienden. Zijn argumentatieve natuur werd betreurd door Renoir, die van hem zei: "Wat een wezen dat hij was, die Degas! Al zijn vrienden moesten hem verlaten; ik was een van de laatste om te gaan, maar zelfs ik kon niet blijven tot het einde." Hoewel bekend is dat hij al eind 1907 in pastel werkt en dat hij nog in 1910 sculptuur zou blijven maken, zou hij in 1912 zijn werk hebben gestaakt, toen de dreigende sloop van zijn lange-tijdverblijf aan de rue Victor Massé een wrenzende verhuizing naar de wijken van de boulevard de Clichy dwong. Hij trouwde nooit en bracht de laatste jaren van zijn leven door, bijna blind, rusteloos door de straten van Parijs heen voordat hij in 1917 stierf. Degas wordt vaak geïdentificeerd als een impressionist, een begrijpelijke maar ontoereikende beschrijving. Impressionisme kwam voort uit de jaren '60 en '70 en groeide deels uit het realisme van schilders als Courbet en Corot. De impressionisten schilderden de realiteiten van de wereld om hen heen met heldere, "verbijsterende" kleuren, waarbij ze zich voornamelijk toespitsten op de effecten van licht, en hopen hun scènes onmiddellijk te kunnen doordringen. Technisch gezien verschilt Degas van de impressionisten in die zin dat hij "nooit de impressionistische kleurenkrans heeft geadopteerd" en dat hij voortdurend zijn praktijken van schilderen en plein-lucht onder de knie heeft gekregen. "Hij was vaak even anti-impressionist als de critici die de shows beoordeelden", aldus de kunsthistoricus Carol Armstrong; zoals Degas zelf uitlegde, "was geen kunst ooit minder spontaan dan de mijne. Wat ik doe is het resultaat van reflectie en van de studie van de grote meesters; van inspiratie, spontaniteit, temperament, ik weet niets." Hij wordt echter nauwkeuriger omschreven als een impressionist dan als een lid van een andere beweging. Zijn taferelen van het Parisiaanse leven, zijn buitencentrumsamenstellingen, zijn experimenten met kleur en vorm, en zijn vriendschap met een aantal belangrijke impressionistische kunstenaars - met name Mary Cassatt en Edouard Manet - hebben hem allemaal nauw verbonden met de impressionistische beweging. Degas' stijl weerspiegelt zijn diepe respect voor de oude meesters (hij was een enthousiast copyist ver in de middelbare leeftijd) en zijn grote bewondering voor Jean Auguste Dominique Ingres en Eugène Delacroix. Hij was ook een verzamelaar van Japanse prints, wiens samenstellingsprincipes zijn werk beïnvloedden, evenals het krachtige realisme van populaire illustratoren zoals Daumier en Gavarni. Hoewel Degas beroemd was voor paarden en dansers, begon het met traditionele historische schilderijen zoals The Young Spartans, waarin zijn geleidelijke vooruitgang in de richting van een minder idealistische behandeling van het cijfer al duidelijk is. In zijn vroege carrière schilderde Degas ook portretten van individuen en groepen; een voorbeeld hiervan is de familie Bellelli (c.1858-67), een briljant samengesteld en psychologisch krachtig beeld van zijn tante, haar echtgenoot en hun kinderen. In dit schilderij, zoals in The Young Spartans en vele latere werken, werd Degas aangetrokken tot het cadeau van spanningen tussen mannen en vrouwen. In zijn vroege schilderijen toonde Degas al de volwassen stijl aan die hij later vollediger zou ontwikkelen door onhandig onderwerpen te hakken en ongebruikelijke standpunten te kiezen. Tegen het einde van de jaren '60 had Degas van zijn initiaal verhuisd naar het schilderen van de geschiedenis naar een originele waarneming van het hedendaagse leven. Racecursusscènes bieden een gelegenheid om paarden en hun rijders in een moderne context te presenteren. Hij begon vrouwen te schilderen op het werk, milliners en jachthavens. Mlle. Fiocre in de Ballet La Source, tentoongesteld in de Salon van 1868, was zijn eerste belangrijke werk om een onderwerp te introduceren waarmee hij vooral geïdentificeerd zou worden, dansers. In veel daaropvolgende schilderijen werden dansers in een backstage of tijdens een repetitie getoond, waarbij hun status als professioneel werd benadrukt. Het zijn deze dansers die de populariteit van Degas tot op de dag van vandaag hebben bepaald, vanaf 1870 heeft hij steeds meer balletproefpersonen geschilderd. Onder andere was de balletserie makkelijk te verkopen en te zien hoe de schulden van zijn broer de familie failliet hadden laten gaan, en Degas had geld nodig. Degas begon ook het café te schilderen. Hij drong er bij andere kunstenaars op aan "echt leven" te schilderen in plaats van traditionele mythologische of historische schilderijen. De weinige literaire scènes die hij schilderde waren modern en zeer dubbelzinnig. Interior (ook wel de Rape genoemd) heeft bijvoorbeeld op zoek naar een literaire bron een raadsel gegeven aan kunsthistorici; intern bewijs suggereert dat het gebaseerd kan zijn op een scène uit Thérèse Raquin. Omdat zijn onderwerp veranderd is, deed de Degas-techniek dat ook. Het donkere palet dat de invloed van het Nederlandse schilderij heeft versterkt, heeft plaats gemaakt voor het gebruik van levendige kleuren en vette borstels. De schilderijen zoals Place de la Concorde lezen als "momentopnamen,"vriesmomenten van tijd om hen nauwkeurig te portretteren, die een gevoel van beweging impareren. Het gebrek aan kleur in de 1874 Ballet repetitie op Stage en de 1876 The Ballet Instructor kan worden gezegd dat hij verband houdt met zijn belangstelling voor de nieuwe fotografische techniek. De veranderingen in zijn palet, penseelwerk en het gevoel van compositie bewijzen allemaal de invloed die zowel de impressionistische beweging als de moderne fotografie, met zijn spontane afbeeldingen en kilometerhoeken, op zijn werk hadden. Door het onderscheid tussen portretten en genre-stukken te verbreken, schilderde hij zijn bassonistische vriend Désiré Dihau in het Orchestra van de Opera (1868-1969) als een van de veertien muzikanten in een orkestbak, die door een lid van het publiek wordt gezien. Boven de muzikanten kunnen alleen de poten en de tutus van de dansers op het podium worden gezien, hun figuren zijn door de rand van het schilderij gekrompen. Kunsthistoricus Charles Stuckey heeft het standpunt vergeleken met dat van een afgeleid toeschouwer in een ballet, en zegt dat "het Degas" fascinatie is met de weergave van beweging, met inbegrip van het bewegen van de ogen van een toeschouwer zoals tijdens een willekeurige blik, dat op correcte wijze 'impressionist' spreekt." De de rijpe stijl van Degas wordt onderscheiden door opvallend onvoltooide passages, zelfs in anders strak gesmolten schilderijen. Hij gaf zijn oogproblemen vaak de schuld voor zijn onvermogen om te eindigen, een verklaring die een zekere scepsis kreeg van collega's en verzamelaars die, zoals Stuckey uitlegt, dachten dat "zijn afbeeldingen nauwelijks door iemand met onvoldoende visie konden worden geëxecuteerd." De kunstenaar gaf een andere aanwijzing toen hij zijn voorliefde beschreef "om honderd dingen te beginnen en er niet één af te maken", en hij was in elk hoesje notoir terughoudend om een schilderij compleet te vinden. Zijn interesse in portrettering heeft hem ertoe gebracht zorgvuldig te bestuderen op welke wijze de sociale status of de vorm van werk van een persoon kan worden aangetoond door zijn fysiologie, houding, jurk en andere kenmerken. In zijn portretten uit 1879, op de beurs, portretteerde hij een groep joodse zakenlui met een antisemitisme. In 1881 exposeerde hij twee pastels, de misdadige fysiotherapie, waarin jonge bendeleden werden afgebeeld die onlangs veroordeeld waren voor moord in de "Adie Affair". Degas had hun proces bijgewoond met een schetsboek in de hand, en zijn talrijke tekeningen van de gedaagden tonen zijn belangstelling voor de atavistische kenmerken die door een negentiende-eeuwse wetenschapper als bewijs van aangeboren criminaliteit worden beschouwd[33]. In zijn schilderijen van dansers en wasjurken onthult hij hun beroepen niet alleen door hun jurk en hun activiteiten, maar ook door hun lichaamstype. Zijn ballerina's vertonen een atletische fysica, terwijl zijn jasjes zwaar en stevig zijn. Tegen de latere jaren zeventig had Degas niet alleen het traditionele medium olie op het canvas beheerst, maar ook pastel. Het droge medium, dat hij toepaste in complexe lagen en texturen, stelde hem in staat om zijn faciliteit voor lijn gemakkelijker te combineren met een groeiende belangstelling voor expressieve kleur. In het midden van de jaren '70 keerde hij ook terug naar het medium van etching, dat hij tien jaar lang had verwaarloosd, en begon te experimenteren met minder traditionele printmakende media-lithografen en experimentele monotypes. Hij was vooral gefascineerd door de effecten van monotype, en herwerkte vaak de gedrukte afbeeldingen met pastel. Deze veranderingen in de media leidden tot de schilderijen die Degas in het latere leven zou produceren. Degas begon vrouwen te tekenen en te schilderen die zichzelf droegen met handdoeken, hun haar te combineren en te baden (zie: Na de Bath). De slagen die de vorm modelleren zijn vrijer dan voordien; de achtergronden worden vereenvoudigd. Het zorgvuldige naturalisme van zijn jeugd heeft plaats gemaakt voor een toenemende abstractie van vorm. Behalve zijn typisch briljante ontwerpmanschap en obsessie met het cijfer, lijken de afbeeldingen die in deze late levensfase werden gecreëerd, weinig oppervlakkig op zijn vroege schilderijen. Ironisch genoeg zijn het deze schilderijen, die pas laat in zijn leven zijn gemaakt, en na de dag van de opstand van de impressionistische beweging, die het meest vanzelfsprekend de kleurrijke technieken van het impressionisme gebruiken. Voor al de stilistische evolutie bleven bepaalde kenmerken van het werk van Degas tijdens zijn hele leven hetzelfde. Hij verfde altijd binnenshuis, verkieslijk om in zijn studio te werken, of uit geheugen of het gebruiken van modellen. Het cijfer bleef zijn hoofdvak; zijn weinige landschappen werden gemaakt uit geheugen of verbeelding. Het was niet ongebruikelijk dat hij een onderwerp vele malen herhaalde, waarbij de samenstelling of behandeling varieerde. Hij was een bewust kunstenaar wiens werk, zoals Andrew Forge heeft geschreven, "in fasen werden voorbereid, berekend, geoefend, ontwikkeld. Ze waren uit delen samengesteld. De aanpassing van elk onderdeel aan het geheel, hun lineaire indeling, was de aanleiding voor oneindige reflectie en experiment." Degas zelf legde uit: "In de kunst zou niets op toeval moeten lijken, zelfs niet op beweging". Degas, die geloofde dat "de kunstenaar alleen moet leven, en zijn privé-leven onbekend moet blijven", leefde een vreemd en ongelukkig leven. In het bedrijf was hij bekend om zijn humor, die vaak wreed zou kunnen zijn. Hij werd door schrijver George Moore gekarakteriseerd als een "oude krommel" en hij cultiveerde bewust zijn reputatie als een misantrope bachelor. Hij was zeer conservatief in zijn politieke opvattingen, hij verzette zich tegen alle sociale hervormingen en vond weinig bewondering voor dergelijke technologische ontwikkelingen zoals de telefoon. Hij vuurde een model af toen hij leerde dat ze protestants was. Hoewel Degas een aantal joodse personen van 1865 tot 1870 heeft geschilderd, werd zijn antisemitisme medio jaren zeventig duidelijk. Zijn schilderij uit 1879 in The BCourse wordt algemeen gezien als sterk antisemitisch, waarbij de gezichtskenmerken van de bankier rechtstreeks afkomstig zijn van de antisemitische cartoons die destijds in Parijs op de rand van de greep stonden. De Dreyfus Affair, die Parijs van de jaren '90 tot het begin van de jaren '90 verdeelde, heeft zijn antisemitisme verder versterkt. Tegen het midden van de jaren '90 had hij de relaties met al zijn Joodse vrienden verbroken, zijn vroegere vriendschappen met joodse kunstenaars openlijk afgewezen en geweigerd modellen te gebruiken waarvan hij dacht dat ze joods zouden zijn. Hij bleef een uitgesproken antisemiet en lid van de antisemitische "Anti-Dreyfusards" tot zijn dood. Tijdens zijn leven varieerde de publieke ontvangst van het werk van Degas van bewondering tot minachting. Als veelbelovende kunstenaar in de conventionele modus had Degas tussen 1865 en 1870 een aantal schilderijen geaccepteerd in de Salon. Deze werken kregen lof van Pierre Puvis de Chavannes en de criticus, Castagnary. Degas sloot echter al snel de krachten met de impressionisten en verwierp de rigide regels, oordelen en het elittisme van de Salon-net zoals de Salon en het grote publiek aanvankelijk het experimentalisme van de impressionisten verwierpen. Het werk van Degas was omstreden, maar werd over het algemeen bewonderd voor het ontwerpmandaat. Zijn La Petite Danseuse de Quatorze Ans, of Little Dancer of Fourteen Years, die hij tentoonstelde op de zesde impressionistische tentoonstelling in 1881, was waarschijnlijk zijn meest controversiële stuk; sommige critici verklaarden wat ze dachten dat hun "afschuwelijke lust" was, terwijl anderen er een "bloedig" in zagen. De suite van nudes Degas die in 1886 werd tentoongesteld in de achtste impressionistische tentoonstelling, produceerde "het meest geconcentreerde kritisch schrift op de kunstenaar tijdens zijn leven. .. De algemene reactie was positief en lovend." Degas wordt erkend als een belangrijke kunstenaar aan het einde van zijn leven en wordt nu beschouwd als een van de oprichters van het impressionisme. Hoewel zijn werk veel stilistische grenzen overtrof, heeft zijn betrokkenheid met de andere grote figuren van het Impressionisme en hun tentoonstellingen, zijn dynamische schilderijen en schetsen van het dagelijks leven en de dagelijkse activiteiten, en zijn gedurfde kleurexperimenten hem uiteindelijk tot de Impressionistische beweging stropdas als een van zijn grootste vroege artiesten. Zijn schilderijen, schilderingen, tekeningen en sculptuur-de meesten van laatstgenoemde waren niet voorgenomen voor tentoonstelling, en werden ontdekt slechts na zijn dood-op opvallend vertoning in vele musea. Na zijn dood in 1917 werden meer dan 150 kunstwerken gevonden in zijn studio, waarvan de onderwerpen voornamelijk uit rassenpaarden en dansers bestonden. Degas-wetenschappers zijn het erover eens dat de beeldhouwwerken niet zijn gemaakt als schildermateriaal. Zijn eerste en enige vertoning van een sculptuur tijdens zijn leven vond plaats in 1881, toen hij de kleine veertienjarige danser tentoonstelde, die pas in 1920 weer werd getoond; de rest van de beeldhouwwerken bleef privé tot een tentoonstelling na zijn dood in 1918. Sculptuur was niet zozeer een reactie op zijn falende gezichtsvermogen als een extra onderdeel van zijn voortdurende inspanningen om verschillende media te verkennen. Overal waar de mogelijkheid beschikbaar leek, verkondigde hij manieren om grafische kunst en oliefilter, tekenen en pastel, sculptuur en fotografie met elkaar te verbinden. Degas gaven hetzelfde belang aan sculptuur als aan tekening: "Tekenen is een manier van denken, een andere modelleren." Hoewel Degas geen formele leerlingen had, beïnvloedde hij een aantal belangrijke schilders, met name Jean-Louis Forain, Mary Cassatt en Walter Sickert; zijn grootste bewonderaar is misschien Henri de Toulouse-Lautrec.[ REALISM Realisme in de visuele kunsten is een stijl die de actualiteit van wat de ogen kunnen zien weergeeft. De term wordt gebruikt in verschillende zintuigen in de kunstgeschiedenis; het kan hetzelfde betekenen als illusionisme, de vertegenwoordiging van personen met visuele mimesis of verisimilitude, of kan een nadruk betekenen op de actualiteit van onderwerpen, die ze weergeven zonder idealisatie, zonder hun pijnlijke aspecten weg te laten. De werken kunnen in één van beide zintuigen realist zijn, of allebei. Het gebruik van de twee zintuigen kan verwarrend zijn, maar afhankelijk van de context is het tweede zintuig misschien gemeenschappelijker. Realisme als neiging in de 19de-eeuwse kunst had te maken met soortgelijke bewegingen in het theater, de literatuur en de opera. Iedereen heeft de nadruk gelegd op de weergave van alledaagse proefpersonen, maar in geen geval wordt altijd de klassieke, Romantische of sentimentele benadering van hun behandeling genegeerd. De beweging begon in de jaren vijftig in Frankrijk. Een van de belangrijkste werken van Gustave Courbet is A Burial at Ornans, 1849-1850, een canvas dat een gebeurtenis registreerde die hij in september 1848 zag. Het schilderij van Courbet van de begrafenis van zijn grote oom werd de eerste grote verklaring van de Realistische stijl. IMPRESSIONISME Impressionisme was een 19e-eeuwse kunstbeweging die begon als een losse vereniging van kunstenaars uit Parijs, wier onafhankelijke tentoonstellingen hen in de jaren zeventig en tachtig in het middelpunt hebben gezet. De naam van de beweging is ontleend aan de titel van Claude Monet, Impression, Sunrise (Impression, soleil relevant), die de criticus Louis Leroy ertoe heeft aangezet de term in een satirische review uit te dragen die in Le Charivari is gepubliceerd. Kenmerken van Impressionistische schilderijen zijn onder meer zichtbare penseelstreken, een open samenstelling, de nadruk op licht in zijn veranderende kwaliteiten (waarbij vaak de effecten van het verstrijken van de tijd worden benadrukt), gewone materie, de opname van beweging als cruciaal element van de perceptie en ervaring van de mens, en ongebruikelijke visuele hoeken. Het ontstaan van het impressionisme in de visuele kunsten werd al snel gevolgd door analoge bewegingen in andere media, die bekend werden als Impressionistische muziek en Impressionistische literatuur. Impressionisme beschrijft ook kunst die in deze stijl wordt gemaakt, maar buiten de late 19e eeuwse periode. Radicals in hun tijd, vroege impressionisten overtraden de regels van academisch schilderij. Ze begonnen met het geven van kleuren, vrij geborsteld, voorrang boven de lijn, en inspiratie putten uit het werk van schilders als Eugène Delacroix. Ze namen ook het schilderij uit de studio en naar de moderne wereld. Vroeger waren nog steeds liften, portretten en landschappen meestal binnenshuis geschilderd. De impressionisten vonden dat ze de kortstondige en voorbijgaande gevolgen van zonlicht konden opvangen door te schilderen en in de lucht te pleinen. Ze schilderen realistische scènes van het moderne leven en benadrukken levendige algemene effecten in plaats van details. Zij gebruikten korte, "gebroken" borstelslagen van zuivere en ongemengde kleur, niet regelmatig gemengd, zoals gebruikelijk, om het effect van intense kleurentrillingen te bereiken. Hoewel de opkomst van het impressionisme in Frankrijk plaatsvond op een moment dat een aantal andere schilders, waaronder de Italiaanse kunstenaars die bekend staan als Macchiaioli en Winslow Homer in de Verenigde Staten, ook plein-air schilderij verkenden, ontwikkelden de impressionisten nieuwe technieken die specifiek waren voor de beweging. Het samenvoegen van wat de aanhangers ervan beweerden was een andere manier van zien, het was een kunst van directheid en beweging, van onhandige houdingen en samenstellingen, van het spel van licht uitgedrukt in een helder en gevarieerd kleurgebruik. Het publiek, in eerste instantie vijandig, kwam geleidelijk aan tot de overtuiging dat de impressionisten een nieuwe en originele visie hadden vastgelegd, ook al kreeg het niet de goedkeuring van de kunstcritici en de instelling. Door de sensatie in het oog te herstellen die het onderwerp uitzicht, in plaats van het onderwerp te herscheppen, en door een lasser van technieken en vormen te creëren, werd het Impressionisme een voorloper van verschillende schilderbewegingen die zouden volgen, waaronder neo-impressionisme, post-impressionisme, Fauvisme en Cubisme. Het PIJNEN het Schilderen is een wijze van uitdrukking en de vormen zijn talrijk. Tekening, samenstelling of abstractie en andere esthetica kunnen dienen om de uitdrukkelijke en conceptuele intentie van de deskundige tot uitdrukking te brengen. Schilderijen kunnen van nature en representatief zijn (zoals in een stilstaand leven of landschapsschilderij), fotografisch, abstract zijn, worden geladen met verhalende inhoud, symboliek, emotie of politiek van natuur zijn. Het schilderen is de praktijk om verf, pigment, kleur of ander middel op een oppervlakte (steunbasis) toe te passen. In kunst, beschrijft de termijn zowel de handeling als het resultaat, die een schilderij wordt genoemd. Schilderijen kunnen voor hun ondersteuning oppervlakken hebben zoals muren, papier, doek, hout, glas, lak, klei of beton. Schilderijen kunnen met goudblad worden versierd en sommige moderne schilderijen bevatten andere materialen, zoals zand, klei en plakken papier. Een deel van de geschiedenis van het schilderen in zowel de oostelijke als de Westerne kunst wordt gedomineerd door spirituele motieven en ideeën; voorbeelden van dit soort schilderijen variëren van kunstwerken die mythologische figuren op potten weergeven tot bijbelse scènes die gemaakt zijn op de binnenmuren en het plafond van het Sistine Chapel, tot scènes uit het leven van Boeddha of andere scènes van oostelijke religieuze oorsprong. Een van de lopende en huidige richtingen in het schilderen aan het begin van de 21ste eeuw zijn zwart schilderen, hard-randschilderen, Geometrische abstractie, Toewijzing, Hyperrealisme, Photorealisme, Expressionisme, Minimalisme, Lyrische abstractie, Kunst op de Pop, Abstracte expressionisme, schilderij in het kleurenveld, neo-expressionisme, Collage, intermedia schilderij, Assemblage Leeftijd schilderen, Kunstschilderij Computer, Postmodern schilderen, Neo-Dada schilderen, Schilderen van Shaped canvas, milieumuurschilderij, traditioneel schilderij, Landschapsschilderij, Portret schilderen en verf-op-glas animatie. Ontwikkelingen in het oostelijke schilderij gaan historisch parallel met die in het Westerne schilderij, in het algemeen, een paar eeuwen eerder. Afrikaanse kunst, islamitische kunst, Indiase kunst, Chinese kunst en Japanse kunst hadden elk een belangrijke invloed op Westerne kunst, en uiteindelijk omgekeerd. De oudste bekende schilderijen zijn in de Grotte Chauvet in Frankrijk, volgens sommige historici ongeveer 32.000 jaar oud. Ze worden gegraveerd en geschilderd met rood, zwart pigment en show paarden, neushoorns, leeuwen, buffels, zoogdieren of mensen die vaak op jacht zijn. De eerste tekenen van schilderij zijn echter ontdekt in twee rotsschuilplaatsen in Arnhem Land, in Noord-Australië. In de onderste laag materiaal op deze plaatsen zijn er naar schatting 60.000 jaar oude gebruikte stukken ochre. Archeologen hebben ook een fragment gevonden van rotsschilderwerk in een kalksteen gesteente-schuilplaats in de Kimberley-regio van Noord-Western Australië, die 40.000 jaar oud is. Er zijn voorbeelden van grotschilderingen over de hele wereld — in Frankrijk, Spanje, Portugal, China, Australië, India, enz. In Westerne culturen zijn olieverfschilderijen en schilderijen van waterverven de bekendste media, met rijke en complexe tradities in stijl en materie. In het Oosten domineerden inkt en kleurinkt historisch gezien de keuze van media met even rijke en complexe tradities. Verschillende soorten verf worden doorgaans geïdentificeerd door het medium waarin het pigment is gesuspendeerd of ingebed, dat bepalend is voor de algemene werkkenmerken van de verf, zoals viscositeit, mengbaarheid, oplosbaarheid, droogtijd, enz.